Böcker utgivna av Taschen GmbH

Europas Faible für die Kunst und Kultur des Alten Ägyptens kann auf eine lange Tradition zurückblicken. Schon zur Zeit der Römer gelangten Obelisken, Statuen und Reliefs, die man pharaonischen Grabstätten und Tempeln entnommen hatte, über das Mittelmeer. Mit der Wiederentdeckung Ägyptens in der Neuzeit, den Ausgrabungsaktivitäten der frühen Ägyptologen und im Sog der im 19. Jahrhundert voll erblühenden Ägyptomanie gelangten zahllose Kunstschätze Altägyptens in den Besitz europäischer Museen und privater Sammler und Hobbyarchäologen.Heute ist das Ägyptische Museum in Kairo das weltweit größte Museum für altägyptische Kunst. Andere bedeutende Kunstwerke dieser Epoche befinden sich in Museen wie dem Louvre in Paris, dem Britischen Museum in London, dem Ägyptischen Museum in Berlin und dem Metropolitan Museum in New York.Dieser Band zeigt unter anderem eine Statue des Djoser, einen Pharao der 3. Dynastie, ein Holzrelief des hohen Beamten und Heilkundigen Hesi-Re aus Zedernholz, ein Relief vom Kalksteinsarkophag der Königin Aschait, die Sphinx von Sesostris III., eine Statue des Cherihotep aus der 12. Dynastie, Reliefs aus dem Tempel zu Karnak, den Sarkophag der Königin Hatschepsut, Wandmalereien aus Theben, eine Statue der löwengestaltigen Göttin Sachmet, eine Statue der Königin Teje, Büsten von Echnaton (Amenophis IV.) und seiner Gattin Nofretete, die goldene Totenmaske von Tutanchamun und zahlreiche weitere kostbare Artefakte.

Erst legte er sich mit den biedersinnigen Freunden des Historismus und der Wiener Ringstraßen-Architektur an, dann mit den Secessionisten, mit denen er gerade noch paktiert hatte: Nike Wagner zitiert in "Geist und Geschlecht", ihrem Standardwerk zu Karl Kraus und der Wiener Moderne, einen Zeitgenossen von Adolf Loos (1870-1933), der den Architekten, Designer und Publizisten als den "Mann, der Nein sagt" charakterisierte. Und kaum jemand sagte mit mehr avantgardistischem Furor Nein als Loos: Nein zum Ornament, zum dekorativen Beiwerk, zu überflüssigen Details, zum fantastischen Wuchern des Irrationalen. Als Architekt der Tabula rasa propagierte Loos eine Architektur der Einfachheit und Klarheit, in der die Form der Funktion folgt, aber durchaus luxuriösen Überfluss und das Spiel mit klassizistischen Elementen zulässt. Programmatisch ist sein Vortrag Ornament und Verbrechen (1913), in dem er in nietzscheanischer Erregungs- und Überwältigungsprosa gegen den antiquierten Unverstand seiner Zeitgenossen wettert. Schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte der Freund von Karl Kraus, Peter Altenberg und Oskar Kokoschka die Gelegenheit erhalten, seine Ideen auch baulich Gestalt werden zu lassen. Die schlicht-funktionalen Innenraumgestaltungen, die er für das Café Museum (1899), für die American Bar (1908) oder das Modehaus Knize (1913) entwarf, brüskierten in ihrer fremdartigen modernen Anmutung die Wiener. Auch sein wohl berühmtestes Bauwerk in Wien, das als Looshaus bekannte große Geschäftshaus am Michaelerplatz (1912) gegenüber der Nordfassade der Hofburg, wurde mit seiner nüchternen, aber dennoch exklusiv-eleganten Fassade als Provokation empfunden und soll sogar Kaiser Franz Joseph I. derart in Rage versetzt haben, dass er sich fortan weigerte, einen Fuß auf den Michaelerplatz zu setzen. Das Looshaus wie auch einige der zahlreichen Villen, die er baute, etwa die kubistische Villa Müller in Prag, gelten als Schlüsselwerke der Moderne.Diese Einführung macht mit den architektonischen Ideen von Adolf Loos vertraut, erläutert sein Konzept des "Raumplans", stellt seine wichtigsten Werke vor und beschreibt das Leben eines streitbaren, aber auch abgründigen Intellektuellen am Beginn der Moderne.

Von dem Moment an, als Star Wars 1977 auf die Leinwand kam, war das Publikum zu gleichen Teilen fasziniert und entsetzt von dem Halb-Mann-Halb-Maschine-Hybrid Darth Vader . 1999 begann sein Schöpfer George Lucas , dessen Vorgeschichte zu erzählen: wie er als Anakin Skywalker aufwuchs, unter Obi-Wan Kenobi als Jedi ausgebildet wurde und sich in Padmé Amidala, die Königin von Naboo, verliebte, bevor er sich der dunklen Seite seines Wesens zuwandte und fortan mehr einer Maschine als einem Menschen glich. George Lucas erkannte früh die filmischen Möglichkeiten der aufkommenden digitalen Technologie , die ihn in die Lage versetzte, neue Kreaturen und neue Welten in einem größeren Maßstab als je zuvor auf die Leinwand zu bringen. Lucas drehte den ersten digitalen Blockbuster und stieß auf heftigen Widerstand , als er sich für die Verbreitung von digitalen Produktionsmethoden einsetzte. Digitale Kameras, Schauplätze, Charaktere und Projektionen sind heute in der gesamten Branche üblich. Lucas sorgte als einer der ersten für digitale Standards und popularisierte diese moderne Form des Filmemachens. Dieser zweite Band, wiederum in enger Kooperation mit George Lucas und Lucasfilm entstanden, behandelt die Entstehung der Prequel-Trilogie - Episode I: Die dunkle Bedrohung, Episode II: Angriff der Klonkrieger und Episode III: Die Rache der Sith . Enthalten sind auch dieses Mal ein Exklusivinterview mit George Lucas , viele seltene Dokumente, Drehbuchseiten, Produktionsunterlagen, Konzeptentwürfe, Storyboards sowie eine Fülle an Fotos aus den Filmen und von den Dreharbeiten .

Pochiert, gekocht, als Rührei, in ein Medium zum Malen verwandelt, einem Cocktail beigemischt oder als Wurfgeschoss, abgefeuert auf das Haus eines Feindes: In seiner Eigenschaft als größtmögliches Paradoxon verharrt das Ei in einem fröhlichen Schwebezustand zwischen bescheidener Haushaltszutat und ewiger Quelle des Lebens. Schon in der Antike war das Ei ein allseits bekanntes Symbol. Im alten Rom wurden damit böse Geister vertrieben, es fand Eingang in die ägyptische Mythologie, und später begeisterte sich der russische Adel für kostbare Artefakte in Eiform. Dieser erste Band einer von TASCHEN gemeinsam mit der kultigen Zeitschrift The Gourmand herausgegebenen Reihe unterzieht das Ei visuell-literarischen Betrachtungen. Damit wird dieses Grundnahrungsmittel als Schnittstelle zwischen Essen und Kunst gewürdigt. Das Buch enthält eine Sammlung von Original-Essays und archetypischen Rezepten - vom perfekten pochierten Ei bis hin zu kunstvollen Desserts - und lässt damit die Vielfalt der kulinarischen Traditionen aus aller Welt hochleben. The Gourmand's Egg. A Collection of Stories and Recipes ist mit exklusiven Auftragsarbeiten von renommierten Stillleben-Fotografen illustriert. Diese gleichermaßen üppigen, absurden, schrillen und appetitanregenden Aufnahmen sind ein unverkennbares Markenzeichen von The Gourmand . Abgerundet wird der Band durch Werke von Titanen der Kunstgeschichte wie S alvador Dalí, Jean-Michel Basquiat, Frida Kahlo, David Hockney und Man Ray sowie durch spannende Texte, unter aus der Feder der Köchin, Food-Autorin und Gastrokritikerin Ruth Reichl und der Schriftstellerin und Herausgeberin Jennifer Higgie. Reichl zufolge beginnt "beim Kochen - wie bei fast allem anderen auch - alles mit einem Ei".

Als die NASA, die National Aeronautics and Space Administration, 1958 ihren Betrieb aufnahm, war das auch ein Akt der Psychohygiene für eine geschockte und hysterisierte amerikanische Nation, über die seit einem Jahr piepend russische Sputniks hinwegzogen. Wenige Jahre später hatte sich das Häufchen von Rocketmen, Technikern und Testpiloten, die schon früh von PR-Profis Unterstützung erhielten, zu einem führenden Technologieunternehmen und einer Mythenfabrik gemausert. Astronauten wurden zu neuen Nationalhelden, und Programme wie Mercury, Gemini und schließlich Apollo fesselten Millionen, lenkten vom atomaren Wettrüsten und kriegerischen Konflikten wie in Vietnam ab und machten Cape Canaveral zu einer nationalen Pilgerstätte.Die Mondlandung, das berühmte Bild der "Blauen Murmel", das ein Bewusstsein für das "Raumschiff Erde" weckte, die Shuttle-Flüge und zahllose Sondenmissionen durch das Sonnensystem und mit Voyager über seine Grenzen hinaus, aber auch Katastrophen wie der Verlust der Challenger- und Columbia-Mannschaften schrieben Technik-, Wissenschafts- und Mediengeschichte. Wer erinnert sich nicht an die Bilder von Armstrong und Aldrin auf dem Mond, von startenden und landenden Raumfähren, vom Aufbau der ISS-Weltraumstation, von Astronauten auf Außenmission, an die faszinierenden Ansichten des Universums, die das Hubble-Weltraumteleskop geliefert hat, oder an die Marspanoramen der Rover-Fahrzeuge? Heute verfolgen Millionen von Menschen weltweit die Arbeit der NASA über die sozialen Medien; allein das erste Foto von Pluto in hoher Auflösung brachte der NASA auf ihrem Facebook-Profil innerhalb eines Tages mehr als 320.000 Interaktionen und über 152.000 neue Follower ein.Dieser kompakte Band basiert auf unserer XL-Ausgabe, die in Zusammenarbeit mit der NASA entstand, und zeichnet mit Hunderten von historischen Fotografien und seltenen Konzeptdarstellungen - unter Einsatz modernster Techniken neu abgetastet und überarbeitet - die Geschichte der National Aeronautics and Space Administration von den Anfängen bis den aktuellsten Missionen nach. Texte des Wissenschafts- und Technikjournalisten Piers Bizony, des ehemaligen NASA-Chefhistorikers Roger Launius und des Apollo-Historikers und Bestsellerautors Andrew Chaikin runden diese umfassende Darstellung ab.

Wann ist ein Pissoir kein Pissoir mehr? Wenn Marcel Duchamp (1887-1968) es zur Kunst erklärt! Der Aufruhr, den Fontäne (1917) - ein in einer Galerie installiertes Porzellanurinal - auslöste, sandte Schockwellen durch die etablierte Kunstwelt, die bis zum heutigen Tag nachwirken. Duchamp baute seine Karriere darauf auf, unsere Vorstellungen von dem, was Kunst ist , auf die Probe zu stellen, und eröffnete unserem Geist damit ungeahnte Möglichkeiten. Nach einem kurzen Abstecher zum Kubismus am Anfang seiner Karriere machte sich der Künstler einen Namen mit Akt, eine Treppe herabsteigend (1912), einer bahnbrechenden Vermischung von Abstraktion, Kubismus und Futurismus mit einem umstritten mechanischen Akt im Mittelpunkt. Ungefähr zur gleichen Zeit begann Duchamp, sich mit den mittlerweile zum Kult gewordenen "Readymades" zu beschäftigen - scheinbar zufällige Fundstücke, die Duchamp dann als Kunst präsentierte, darunter Das Fahrrad-Rad (1913), Flaschentrockner (1914) und eine als Dem gebrochenen Arm voraus (1915) ausgewiesene Schneeschaufel. Duchamp löste bei den Traditionalisten weitere Herzstillstände aus mit Provokationen wie L.H.O.O.Q. (1919), für das er eine billige Kopie von Leonardos La gioconda (Mona Lisa) mit Bart und Schnäuzer bemalte und dem Ganzen obendrein einen obszönen Titel gab (im Französischen klingt die Buchstabenfolge vorgelesen wie "Elle a chaud au cul", wörtlich: "Sie hat Feuer im Arsch", sinngemäß: "Sie ist Nymphomanin."). Dieses Buch destilliert all die Provokationen und Skandale aus Duchamps Kunstschaffen zu einem unverzichtbaren Überblick , der nicht bloß einen wegweisenden Schöpfergeist vorstellt, sondern auch einen Wendepunkt der abendländischen Kunstgeschichte. Hier, zwischen den Anschlägen auf alte Meister und der gebrochenen Poesie gefundener Gegenstände, erlebte die Kunstwelt erstmals den Übergang von "Netzhauterlebnissen" zu dem, was sich später zur Konzeptkunst entwickelte .

Der große flämische Maler Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1526/31-1569) war ein äußerst fantasievoller Maler und Zeichner. Seine wunderschönen, symbolträchtigen Landschaften sowie seine religiösen Bilder sind berühmt für ihre Volkstümlichkeit und ihren Blick auf das Alltagsleben der damaligen Zeit.Besonders intensiv widmete Bruegel sich dem Leben der Landbevölkerung, was ihm den Spitznamen "Bauernbruegel" einbrachte. Ob Jäger im Schnee oder ein ausgelassener Jahrmarkt: Bruegel erhob Landarbeit, Dorffeste und Bauernspiele zum Thema der Kunst. Doch auch seine imposanten Bilder mit religiöser und moralischer Thematik, darunter Triumph des Todes und Turmbau zu Babel, beeindrucken heute noch genauso wie im 16. Jahrhundert und haben, von den Schlachtszenen in den Herr der Ringe-Filmen bis hin zu Don DeLillos Roman Unterwelt, die zeitgenössische Kultur inspiriert.Von Bauern bei der Ernte bis zur Bekehrung des Saulus, von fröhlichen Hochzeitsprozessionen bis hin zum Kreuzweg Christi: Dieser Band deckt Bruegels gesamtes Schaffensspektrum ab und präsentiert sowohl seine biblischen als auch seine irdischen Tableaus.

Der vierte Band der Bibliothek der Esoterik feiert die Magie der Natur und taucht in die Welt des Symbolismus und der Riten in unsereren Beziehungen zur Pflanzenwelt ein. Indem es uns auf eine visuelle Reise durch unsere Entwicklung in Beziehung zur Natur führt, präsentiert Plant Magick das Pflanzenreich auch als kreative Muse - von antiken griechischen Skulpturen bis hin zu visionärer Kunst, die durch psychoaktive Pflanzen, Kakteen und Pilze inspiriert ist.Unsere Mythen, Überzeugungen und unser kollektives Bewusstsein werden ständig auch mit der Natur abgebildet; Reinheit wird von einer weißen Lilie repräsentiert und spirituelles Erwachen von blühendem Lotus. Unsere Wonnen und Klagen werden im Naturkreislauf versinnbildlicht, etwa in dem aus einem Samen geborenen Sprössling oder den abgestorbenen Blättern, die sanft vom herbstlichen Ast fallen. Pflanzen, Bäume und Blumen als Symbole der Veränderung finden sich auch in den Übergangsriten vieler Kulturen auf der ganzen Welt wieder. Rosenblätter in Hochzeitszeremonien markieren die Passage zum Frausein und zur Ehe. Ein Kranz aus Lilien bewacht das offene Grab. Der Strauß des Liebhabers liegt auf der Türschwelle. Der Stamm des Maibaums wird von jungen Mädchen umtanzt, die mit Gänseblümchenkränzen den Beginn des Frühlings feiern. Geburten, Feste und Beerdigungen, fröhliche oder traurige Anlässe - alle werden symbolisch von Kräutern, Blumen oder Zweigen begleitet. Das Einbinden der Natur in unsere Rituale ist unsere Art, Gefühle und Katharsis anzudeuten.Seit jeher fungieren Pflanzen auch als machtvolle Symbole in den Weltreligionen: Buddha erhält die Erleuchtung unter dem Bodhibaum, Eva pflückt den Apfel vom Baum der Erkenntnis im Garten Eden. Von der Wurzel bis zur prächtigen Blüte untersucht Plant Magick die fruchtbare, eng verwobene Beziehung von Pflanzen und Menschen sowie die vielfältigen Wege, in denen wir Pflanzen in spirituellen Zeremonien, als Medizin, als kreative Muse und als Türöffner für das Erforschen anderer Bewusstseinszustände nutzen.

Begleiten Sie die Architekten Florian Idenburg und LeeAnn Suen auf ihrer Reise durch eine umfangreiche Sammlung von Objekten, Systemen und Gebäuden, die seit dem Aufkommen des Internets den amerikanischen Büroraum prägen. Anhand von Geschichten und Gedanken legen Idenburg und Suen die Beziehungen zwischen Raum, Arbeit und Menschen frei und erforschen die Absichten und treibenden Kräfte hinter der Entwicklung des Bürodesigns für den arbeitenden Menschen.In zwölf Essays untersucht dieses Buch die räumlichen Typologien und globalen Phänomene, die das Büro während des letzten halben Jahrhunderts geprägt haben. Sie beschäftigen sich unter anderem mit der Rückkehr der Arbeitsvereine, dem Aufstieg des Firmenfests, dem Weg des charismatischen Gurus, der Abschaffung der Stechuhr und der Gestaltung von Spielplätzen am Arbeitsplatz. Wir radeln durch Frank O. Gehrys radikale, verspielte Räume für digitale Werbeweltnomaden, taumeln unter dem Gewicht von Stapeln von Lochkarten, fühlen die Passform unserer Körper im Aeron Chair, führen Telefonate im Bett von Hugh Hefner und scrollen durch Lil Miquelas Feed. Fotografische Essays von Iwan Baan liefern visuelle Nutzungsanalysen bekannter Büroprojekte, wie Marcel Breuers IBM-Campus in Florida und den Atriumgarten der Ford Foundation in Manhattan. Dazwischen stellen Kataloge Produktreihen experimenteller Arbeitsplatzutensilien vor sowie zukunftsweisende Werbung für Bürogebäudeteile, digitales Zubehör und Renderings spekulativer Arbeitsplätze. Jeder Katalog schlägt eine Brücke zwischen der Bürorealität von heute und unseren Ideen für ihre Alternativen von morgen.Dieses Buch bietet Architekten, Geschäftsleuten und Arbeitnehmern einen theoretischen Hintergrund. Mit Neugier und Skepsis nähert es sich Räumen und Lösungen für das menschliche Arbeiten und verfolgt den Wandel von der Arbeit zum Beruf und von der Lochkarte zum "Playbor", jenem Phänomen, das Arbeit als spielerischen Prozess sublimiert und sich aus "play" (Spiel) und "labor" (Arbeit) ableitet. Es beschreibt den Weg unserer heute erlebten Erfahrungen in eine unvorhersehbare erdachte Zukunft.

Farben von intensiver Leuchtkraft, organische Formen und eine Abscheu gegenüber geometrisch gerader Linie und rechtem Winkel prägen das Kunst- und Architekturprogramm von Friedensreich Hundertwasser (1928-2000). Der Maler, Architekt und Umweltaktivist war ein nonkonformistischer Held , der seine Kunst als gesellschaftspolitische Intervention verstand und polarisierte. Von der etablierten Kunst- und Architekturwelt oftmals belächelt, fand er mit seinen fantasievollen Ideen für ein Leben in Einklang mit der Natur und der individuellen Kreativität nicht nur in alternativen Milieus eine große Anhängerschar. Eine der Ursachen für die Tristesse des menschlichen Alltags sah Hundertwasser in der fantasielosen, deprimierenden Gegenwartsarchitektur mit ihren zweckförmigen, monotonen Bauformen. Adolf Loos' berühmter Schrift Ornament und Verbrechen setzte er ein entschiedenes Plädoyer ( Los von Loos ) für organische Formen entgegen, für individuelle Bauveränderung und für die Einbeziehung der Natur in die Architektur. Er entwickelte einen unverwechselbaren Baustil, in dem es das "Fensterrecht" und die "Baummieter" gibt, den unebenen Boden, Wälder auf dem Dach und Spontanvegetation. Beginnend mit dem Verschimmelungsmanifest gegen den Rationalismus in der Architektur von 1958, über seine ökologischen Ideen, die ihrer Zeit weit voraus waren, und seine kunsttherapeutischen Ansätze bis hin zu seinen Architekturprojekten weltweit zeichnet Pierre Restany den Lebensweg eines eigenwilligen Mannes nach, der sich selbst durchaus als Prophet verstand und in der Kunstszene eine schillernde Ausnahmegestalt war.

Das letzte Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts bezeugte noch einmal die faszinierende Kraft der Filmleinwand, indem es sowohl in die Zukunft blickte als auch aus der Vergangenheit schöpfte. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass Kino nie zuvor so ironisch auf seine eigene Eitelkeit geblickt und sich nie zuvor so intensiv mit sich selbst als Medium beschäftigt hat. Filmemacher wie Steven Soderbergh, David Lynch, Quentin Tarantino oder Ang Lee schufen ebenso kryptische wie irritierende Welten, während James Cameron oder Steven Spielberg immer spektakulärere Spezialeffekte aus dem Hut zauberten.Träumen Sie manchmal davon, mit Dem Englischen Patienten durch die Wüste zu wandern? Würden Sie sich aus der untergehenden Titanic retten? Sind Sie immer noch Verrückt nach Mary? 100 Filme der 1990er lässt noch einmal die wichtigsten Kinoereignisse von 1991 bis 2000 Revue passieren und eine Vielzahl von Filmhighlights lebendig werden. Handlung und ästhetische Sprache jedes einzelnen Films werden prägnant und informativ erläutert. Dazu gibt es interessante Kommentare zu Schauspielern, Regisseuren sowie historischen oder kinotechnischen Aspekten. 100 Filme der 1990er ist voller Spezialwissen, zugleich höchst unterhaltsam, ist damit so anspruchsvoll wie eingängig. Ein Werk, das Sternstunden des Kinos beschwört - unvergesslich und absolut fesselnd.

Von A wie Aliens II bis Z wie Zurück in die Zukunft - 100 Filme der 1980er präsentiert die cineastischen Highlights einer spektakulären Dekade, eine repräsentative Auswahl vom Blockbuster- und Popcornkino bis zum künstlerisch ambitionierten Arthouse-Film, auf 824 opulent bebilderten Seiten.Die 1980er-Jahre waren ein an Schauwerten überreiches Kinojahrzehnt, das mit einigen verblüffenden technischen Innovationen aufwartete. So sorgte etwa George Lucas mit seiner Firma Industrial Light & Magic dafür, dass die Kinogänger Dinge zu sehen bekamen, die vorher unvorstellbar gewesen waren: vollständig am Computer generierte Figuren und Szenen, Übergänge von Trick- zu Realfilm, das Morphingverfahren und immer neue digitale Spezialeffekte. Die 80er waren auch das Jahrzehnt, in dem einige heute weltbekannte Regisseurinnen und Regisseure ihren internationalen Durchbruch schafften, so etwa Aki Kaurismäki, die Coen-Brüder, Kathryn Bigelow, John Woo, Pedro Almodóvar, Tim Burton, Susan Seidelman oder, kurz vor dem Ende des Jahrzehnts, Steven Soderbergh mit Sex, Lügen und Video. Jim Jarmusch heimste für seine Indie-Komödie Down by Law internationale Preise ein, David Lynch zeigte in Blue Velvet, wie brüchig die heile Welt sein kann, und Wolfgang Petersen bahnte sich mit seinem submarinen Nervenzerrer Das Boot den Weg nach Hollywood.Also, feiern Sie ein Wiedersehen mit Filmen wie Scarface, Blade Runner, Fitzcarraldo, I hired a Contract Killer, Indiana Jones und der letzte Kreuzzug, Leben und Sterben in L. A., Querelle, Es war einmal in Amerika, Brazil, Zurück in die Zukunft, Zimmer mit Aussicht, Lethal Weapon, Rain Man, Der Club der toten Dichter, Terminator, Batman, Robocop, Die nackte Kanone, Die Fliege, u. v. m. Neben einer ausführlichen Inhaltsangabe und Kritik gibt es zu jedem Titel eine Vielzahl an Fotos, Zitaten und zusätzlichen Hintergrundinfos - kurz, alles, was Filmfreaks und Nostalgiker glücklich macht.