Böcker utgivna av Taschen GmbH

Natürlich wohnt Donald Duck eigentlich in Entenhausen, Winnie Puuh im Hundertsechzig-Morgen-Wald, Schneewittchen in Deutschland und die Wunderland-Reisende Alice irgendwo im viktorianischen England, ihren Zweitwohnsitz haben sie jedoch alle am selben Ort, im kalifornischen Anaheim. Anfang der 1950er-Jahre realisierte Walt Disney hier seinen lang gehegten Traum, einen Vergnügungspark zu errichten, in dem die Besucher all seinen Trickfilmfiguren begegnen und eine Reise durch die amerikanische Geschichte machen können, vom Wilden Westen bis zur Zukunft im Weltraum. Unter Walt Disneys Leitung verwandelten Architekten, Künstler, Ingenieure und eine Legion von Bauarbeitern ein paar Hektar Orangenhain in ein Reich ewiger Adoleszenz, in ein Ausflugs- und Ferienziel, das jedes Kind in den USA unbedingt einmal besuchen möchte. In den frühen Fünfzigerjahren war es dann so weit. Heutzutage gibt es Disney-Freizeitanlagen von Paris bis Schanghai, doch das Original-Disneyland in Anaheim (Kalifornien) ist nach wie vor eine der beliebtesten Attraktionen der USA und lockt Jahr für Jahr über 16 Millionen Besucher aus aller Welt an. Dieser Bildband stützt sich auf Disneys umfangreiche Archive, Privatsammlungen und Pressearchive und zeigt die Geschichte Disneylands, von den ersten Entwürfen bis heute. Originaldokumente und Hintergrundinformationen machen diese handliche Ausgabe zu einer Fundgrube für alle Disney-Fans, Märchengläubige, ewige Kinder und Pop-Historiker. Copyright © 2024 Disney Enterprises, Inc.

Schon die frühesten Formen menschlicher Kreativität - Schnitzereien, Markierungen und Höhlenmalereien - zeugen von der Auseinandersetzung der Menschen mit Farbe. Fast genauso alt wie die genannten Beispiele ist der Wunsch, das universelle Phänomen fassbar zu machen und ihm Struktur, Ordnung und Sinnhaftigkeit zu verleihen. Diese Faszination liegt allen Werken zugrunde, die in diesem Buch versammelt sind. The Book of Colour Concepts bringt mehr als 65 seltene Bücher und Manuskripte aus einer Vielzahl von Institutionen zusammen, darunter die bedeutendsten Farbensammlungen der Welt, und entführt seine Leserschaft auf eine chromatische Reise durch vier Jahrhunderte. Über 1.000 Abbildungen zeigen prachtvolle Kreise und Kugeln, vielfarbige Tabellen und ausgefeilte Diagramme, viele davon exklusiv für diese Edition neu fotografiert. Einige der Konzepte enthalten umfassende Farbtaxonomien, andere beleuchten das Verhältnis von Farbe und Musik oder die Verbindungen zwischen Farbe und menschlichen Gefühlen. Grundlegende Werke zur Farbtheorie, darunter Isaac Newtons Opticks und Johann Wolfgang von Goethes herausragende Abhandlung Zur Farbenlehre, stehen neben seltenen und ungewöhnlichen Beiträgen wie den theosophischen Farbsystemen von Charles Webster Leadbeater und Annie Besant, dem umfassenden "Wörterbuch" der Farbe von Aloys John Maerz und Morris Rea Paul oder den patchworkartigen Kombinationen des japanischen Kostümbildners und Künstlers Sanzo Wada. Die zweibändige Edition rückt zudem viele faszinierende und oft übersehene Werke von Frauen ins Rampenlicht, darunter die radikal originellen "Farbflecken" der englischen Blumenmalerin Mary Gartside und ein botanisches Notizbuch der wegweisenden Spiritistin Hilma af Klint. Einführende Essays von Herausgeberin Alexandra Loske und Co-Autorin Sarah Lowengard bringen die vorgestellten Farbsysteme in einen größeren Zusammenhang, während sachkundige Texte der Herausgeberin zu den abgebildeten Werken auf jede Theorie genauer eingehen. Indem es die Geschichte der Farbe in all ihren Formen und Ausprägungen beleuchtet, bietet The Book of Colour Concepts eine chromatische Chronologie von beispiellosem Umfang.

In seinem vielbeachteten Bildband Afghanistan berichtete Steve McCurry vom Drama eines kriegsgebeutelten und zugleich faszinierenden Landes. Animals zeigt eine andere Seite des berühmten Fotografen, der sich hier den komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Tier widmet, sei es als Gefährten, Mitarbeiter, Transportmittel, Trophäen oder einfach nur zufällige Begegnung. Der Mensch liebt sein Tier, aber was empfindet der räudige Straßenhund, der eingerollt neben seinem Herrchen schläft, das Kamel, das während des ersten Golfkrieges ins Schussfeld gerät, oder die vom Hirten zärtlich gefütterten Ziegen? McCurrys fotografischer Blick sensibilisiert uns nicht nur für die Schönheit der Tiere, sondern auch für deren Empfindungen, ihre soziale Rolle und Würde. So ist die Zuneigung zwischen Tier und Mensch oft unmittelbar zu spüren und unterstreicht den universellen Wert von Kameradschaft. Wir erleben Designer-Hunde aus Beverly Hills, Rennpferde auf einem Dach in Hongkong, Elefanten in Thailand und Hunderte weiterer Aufnahmen aus McCurrys umfangreichen Archiven. Diese kaleidoskopische Sammlung führt nicht nur durch ferne Länder und entlegene Gegenden, die von Afrika und Asien über die Galapagosinseln und die USA bis nach Europa reichen, sondern lenkt unseren mitfühlenden Blick einmal mehr auf die treuen Wesen an unserer Seite.

Während seiner gesamten Karriere stand Peter Lindbergh dem Haus Dior auf ganz besondere Weise nahe. Er fotografierte die schillernden Musen des Hauses, darunter Marion Cotillard und Charlize Theron, und realisierte mit seinem unverwechselbaren Stil Kampagnen für die Parfums Lady Dior und J'Adore. Dieses letzte Buch des Fotografen ist das Originaldokument einer außergewöhnlichen Ko-Kreation - und eine Herzensangelegenheit des Künstlers. Siebzig Jahre Dior-Geschichte und das Brodeln des Times Square in New York: Das war das Konzept hinter Lindberghs in Umfang und Dimension außergewöhnlichem Projekt, für das Dior in einer ebenso ungewöhnlichen Aktion eine beispiellose Anzahl von kostbaren Couture-Kreationen aus den Tresoren in Paris über den Atlantik schiffte. Das Ergebnis ist elektrisierend. Inmitten des Trubels am Times Square glänzt Alek Wek im makellosen Bar-Kostüm von 1947, jenem berühmten Ensemble, das den frühen Stil des Hauses definierte. Klassische "Lindbergh-Schönheiten" wie Saskia de Brauw, Karen Elson und Amber Valletta bewegen sich durch Menschenmassen und unter Gerüsten hindurch, spiegeln sich in Gebäudefassaden - gekleidet in Haute Couture, die Christian Dior noch von Hand fertigte, bis hin zu neueren Entwürfen von Maria Grazia Chiuri. Ein Spiel der Kontraste, das den Ambitionen dieser Stilübung jederzeit gerecht wird: Peter Lindberghs typisch monochrome, aber auch farbige Fotos heben auf meisterhafte Weise die Silhouetten, Feinheiten und Texturen jedes Kleidungsstücks hervor. Lindbergh selbst ist in dieser Publikation in jeder Hinsicht präsent. Dieser Band enthält 165 bislang unveröffentlichte Bilder, dazu eine Einführung von Martin Harrison, und würdigt Lindberghs langjährige Verbundenheit mit dem Pariser Modehaus Dior. Dafür stellte er mehr als 100 Fotografien zusammen, von Haute Couture bis zu Herren- und Damenkonfektionen, die ursprünglich in renommierten Zeitschriften wie Vogue oder Harper's Bazaar veröffentlicht wurden. Für die Gestaltung war Lindberghs langjähriger Artdirector und enger Freund Juan Gatti verantwortlich. Eine atemberaubende Hommage an das zeitlose Zusammenwirken von Haute Couture und Fotografie.

Wer hat das Skifahren erfunden? Wie machen Vögel Musik? Was ist das Geheimnis unseres Schlafs? Seit 1888 beantwortet das Magazin National Geographic solche und Tausende andere Fragen unaufgeregt, klug und mit bestechend guten Infografiken . Wir haben die besten davon ausgesucht.

Die Pflanzenbilder des deutschen Fotopioniers Karl Blossfeldt (1865-1932) sind von einer solchen Schönheit und Originalität, dass sie das Medium der Fotografie transzendieren. Über 30 Jahre lang nahm Blossfeldt Tausende von Fotos auf, in einer rigorosen Formensprache, die die Bildproduktion des 19. Jahrhunderts ins 20. Jahrhundert überführte und der eigentlich zweidimensionalen Kunstform eine geradezu skulpturale Qualität verlieh. Die ebenso raffiniert wie minimalistisch vor einfachen Papphintergründen inszenierten Bilder erhalten ihre Plastizität durch Blossfeldts virtuose Lichtregie. Sie geben alles von sich, nichts jedoch von dem Mann hinter der Kamera preis. Diese Stillleben, die ihre Objekte so endgültig in Form bannen, sind ein Meilenstein der Fotografiegeschichte und üben aufgrund ihrer Ästhetik noch immer eine anhaltende Faszination auf alle Kenner des Mediums aus.

Von allen Baustoffen der Welt ist Backstein einer der meistverbreiteten und langlebigsten. Seine Geschichte lässt sich bis ins Jahr 7500 v. Chr. zurückverfolgen. Gebrannte Ziegelsteine tauchten erstmals 3500 v. Chr. auf. Seither hat sich der zuverlässige Backstein als erstaunlich widerstandsfähig erwiesen und ist bis heute ein Hauptbaumaterial zeitgenössischer Architektur geblieben. Fest verwurzelt in den Traditionen so unterschiedlicher Länder wie China und der Niederlande, ist er preiswert, vielseitig und zudem umweltfreundlich herstellbar. In einer weltweiten Tour de Force zeigt diese Ausgabe die aufregendsten und innovativsten Backsteinbauten der letzten Jahre, von Argentinien bis Neuseeland. Wie alle Architekturbücher von TASCHEN präsentiert sie sowohl neue Talente als auch etablierte Stararchitekten wie Renzo Piano und Peter Zumthor. Die gezeigten Gebäude demonstrieren die vielseitigen Möglichkeiten der Backsteinarchitektur in Kultur-, Wohn-, Freizeit- oder Infrastrukturgebäuden, unter anderem im Tate Modern Switch House in London von Herzog & De Meuron, im Amsterdamer Holocaust Namenmonument von Studio Libeskind und im Maternity Waiting Village der Mass Design Group in Kasungu (Malawi).

Anfang 1964 erhielt der Fotograf Harry Benson einen Anruf vom Bildredakteur des Londoner Daily Express, der Benson bat, eine Paris-Reise der Beatles zu dokumentieren. Dieser Auftrag war der Anfang der engen Beziehung zur Band, die Bensons Karriere begründete und aus der einige der intimsten Bilder entstanden, die je von den Beatles gemacht wurden.In Paris schoss Benson das berühmte Foto von den Fab Four bei einer Kissenschlacht im Hotel George V, ein Bild, das Benson selbst einmal als bestes seiner Karriere bezeichnete. Später im selben Jahr begleitete er mit der Kamera die erste US-Tour der Band, inklusive ihrem Auftritt in der Ed Sullivan Show, ihrer überraschenden Begegnung mit Cassius Clay und der Hysterie der New Yorker Beatlemania. Außerdem hielt er George Harrisons Flitterwochen auf Barbados für die Nachwelt fest. Er dokumentierte die Beatles bei den Dreharbeiten zu ihrem Debütfilm A Hard Day's Night und war bei der inzwischen berüchtigten Tournee von 1966 zugegen, auf der John Lennon behauptete, die Beatles seien "populärer als Jesus".In diesem Buch sind die besten von Bensons atmosphärisch dichten Schwarzweißbilder versammelt. Dazu gibt es Zitate und Zeitungsausschnitte aus der damaligen Zeit und eine Einleitung von Benson selbst, in der er seine persönliche Sicht auf die Aufnahmen darlegt, die Zeitgeschichte schrieben.

Eine Auswahl der besten Geschichten von Long John Silver, Henry Morgan und vielen anderen Piraten und Korsaren aus der großen Zeit der Seeräuberei, erzählt nach Klassikern des Genres wie Robinson Crusoe oder der Schatzinsel, dazu fesselnde Illustrationen großer amerikanischer Grafikkünstler wie Howard Pyle und N. C. Wyeth.

Eigentlich suchte der Australier Simon "Woody" Wood 2002 nur eine Möglichkeit, kostenlos an Turnschuhe zu kommen. Zwei Wochen später war er der stolze Verleger von Sneaker Freaker - und musste nie mehr barfuß gehen. Von seinen frühesten Ursprüngen als Fanzine im Punkstil bis zur heutigen Hochglanzaufmachung mit Onlineausgabe hat diese entschlossen unabhängige Zeitschrift jeden Collab-, Quickstrike-, Hyperstrike- und Tier-Zero-Sneaker, jede limitierte Ausgabe, Neuauflage und hippe Innovation der letzten 20 Jahre dokumentiert, vom klassischen adidas-Treter bis zum ultraluxuriösen Edelsneaker . Magische Produktbeschreibungen wie "Das Suede an Zunge und Ferse ist so dunkel und geheimnisvoll wie der Blick in einen bodenlosen Abgrund. Das Mintnubuk ist reines Dynamit, das graue Leder der Funke und die robuste Mesh-Toebox das Ausrufezeichen. Peng!" lassen erahnen, wie die Synapsen im Sneakerversum so geschnürt sind. Woodys ursprüngliche Vorgabe, dass Sneaker Freaker "zugleich lustig und ernst, sinnvoll und zweckfrei" sein solle, erfüllt The Ultimate Sneaker Book auf vorbildliche Weise : Auf über 500 mit Insiderwissen gespickten Seiten , die keine wahnwitzigen historischen Details auslassen und zahllose Fandevotionalien schnittig ins Bild setzen, werden hier Geschichte, Gegenwart und Zukunft von Footwear aus aller Welt dokumentiert, in Sneaker-Lingo kommentiert und mitgestaltet . Neben einem souveränen Marsch durch die Turnschuhgeschichte werden der Nike Air Max und Air Force, Adi Dassler, Converse, Dapper Dan, Dee Brown, und Michael Jordan - neben obskuren Schätzchen wie Troop, Airwalk und Vision Street Wear - ausführlich verhandelt. Dieser Band ist das definitive Nachschlagewerk für Sneakerheads, visuelles Manna und ein orgiastisch sprudelnder Quell des Treterwissens, kurz ... das Ultimate Sneaker Book !

Im November 2020 wurden Depeche Mode in die "Rock & Roll Hall of Fame" aufgenommen. Bei der Annahme der Ehrung sagte David Gahan: "Ich möchte mich bei Anton Corbijn bedanken, der Gott sei Dank zur richtigen Zeit zu uns stieß und uns tatsächlich cool aussehen ließ." Ebenfalls im Herbst 2020 brachte TASCHEN den limitierten und von Depeche Mode und Anton Corbijn signierten Band Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) heraus, der sich zu einer der am schnellsten verkauften Collector's Editions in der Geschichte des Verlags entwickelte. Diese günstige und aktualisierte Ausgabe im handlichen Hosen-TASCHEN-Format gibt Zeugnis von Corbijns einzigartiger Vision und ist in der Tat so "cool", wie Gahan in seiner Rede würdigte. In der reich illustrierten Geschichte erfährt man, wie Corbijn, der 1986 de facto Kreativdirektor der Band wurde, dazu beitrug, Depeche Modes Ruf als größter Kultband der Welt zu untermauern. Der Band enthält über 150 Fotos aus Corbijns umfangreichem Archiv, darunter sowohl offizielle als auch privatere Bandporträts, aufgenommen in Madrid, Hamburg, der Wüste Kaliforniens, Prag oder Marrakesch; dazu eine Vielzahl von spontanen, ungestellten Bildern und atemberaubende Live-Aufnahmen von sämtlichen Tourneen von 1988 bis 2023 . Entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Band gewährt Depeche Mode by Anton Corbijn eine Vielzahl von Einblicken in die Arbeit mit Corbijn und zeigt auf eindrucksvolle Weise, wie die einzigartige Ästhetik eines Mannes, von dem sämtliche Fotografien, die meisten Musikvideos, Albumcover und Setdesigns stammen, die anhaltende Popularität der Band prägten. In der Einleitung erinnert sich Corbijn an seine vielschichtige Rolle bei Depeche Mode: "Vieles hing von mir ab. Ich wollte einfach der Richtige für sie sein, für sie mitdenken und aus mir das Allerbeste herausholen." Der Band zeugt von der Tiefe und Breite dieser Großartigkeit und feiert eine der kreativsten und beständigsten Kooperationen der Musikgeschichte.

Der weitgereiste Ralph Gibson arbeitet vor allem in inspirierten Serien, in Schwarzweiß oder Farbe, deren Titel die besondere poetische Sensibilität unterstreichen, die sein Werk prägt: "The Somnambulist", "Déjà-Vu", "Days at Sea", "Chiaroscuro" und "Ich bin die Nacht". Er begann 1960 als Assistent bei Dorothea Lange und ging 1967 nach New York, wo er bald in einem Atemzug mit Larry Clark und Diane Arbus genannt wurde. Auch wenn seine Fotografien für sich selbst sprechen könnten: Für Gibson steckt hinter jedem Bild, jeder Serie eine Philosophie. In den beigefügten kurzen Texten stellt er uns seine Thesen vor. Akte, Porträts, Stillleben, Erzählungen: Seiner Leica treubleibend, bewegt sich Gibson zwischen den Genres und schafft neue Kategorien des Sehens. Er nähert sich den Dingen und lichtet sie auf eine fast meditative Weise ab, wie es nur die Stille des Bildes vermag.

"Les dîners de Gala ist einzig den Freuden des Gaumens gewidmet. ... Sollten Sie ein Jünger jener Kalorienwieger und -wäger sein, die die Freuden des Mahles in Strafen verwandeln, so schließen Sie dieses Buch sofort: Es ist viel zu lebendig, viel zu aggressiv und viel zu herausfordernd für Sie." - Salvador Dalí Essen und Surrealismus sind ideale Bettgesellen: Sex und Hummer, Collage und Kannibalismus, die Begegnung zwischen einem Schwan und einer Zahnbürste auf einem Tortenboden. Die opulenten Dinnerpartys, die Salvador Dalí (1904-1989) und seine Gattin und Muse Gala (1894-1982) gaben, waren legendär. Zum Glück für uns veröffentlichte Dalí 1973 das Kochbuch Les Diners de Gala, das verrückteste Kochbuch aller Zeiten, eine Synthese aus surrealistischem Witz und gehobenen und verschrobenen Gaumenfreuden. Diese gekürzte Neuauflage enthält 78 Rezepte in zwölf von Dalí eigens bebilderten Kapiteln mit Titeln wie "Weiche Uhren im Halbschlaf", "Sodomitische Zwischengerichte", "Monarchenfleisch" oder "Desoxyribonuklein-Atavismen". Saucen-Sottisen und Bouillon-Bonmots des Meisters à la "Der Kiefer ist unser bestes Werkzeug, um uns philosophisches Wissen anzueignen", oder "Den Elan meiner Eingeweide halte ich für den höchsten Wegweiser" geben zusätzliche Würze. All diese köstlichen Rezepte lassen sich zu Hause nachkochen, wenngleich einige etwas Übung, eine gut bestückte Vorratskammer und vielleicht auch eine spezielle neuronale Verschaltung voraussetzen. Dies ist Kochkunst alter Schule, von Dalí eingesammelt in Pariser Edelrestaurants. Les dîners de Gala ist zugleich Kunstwerk, Kochbuch und ein multisensorisches Abenteuer.

Born in 19th-century France, Impressionism remains at the forefront of the world's cultural institutions. This go-to book not only touches on the movement's sites of production and technical innovations, but also its revolutionary artists, from Claude Monet and Pierre-Auguste Renoir to Berthe Morisot and Eva Gonzalès.

Der Silver Surfer entwickelte sich schnell zu einem der stärksten Charaktere im Marvel-Universum, nachdem Stan Lee und Jack Kirby ihn erstmals in der Geschichte der Fantastic Four auftreten ließen. Dem Weltenzerstörer Galactus verpflichtet und dazu verdammt, das Universum für die nächste planetengroße Mahlzeit des Halbgotts zu durchforschen, war der Surfer eine tragische Figur. Und doch sah er mit seinem Board unglaublich cool aus. Bei den Fans war er ein Riesenerfolg und schnell schon ein regulärer Nebendarsteller der Fantastic Four, der inzwischen an ihrer Seite kämpfte. Auch Stan Lees Kreativität entzündete sich an ihm, er konnte es kaum erwarten, ein paar eigenständige Surfer-Stories zu erzählen. Nur das Timing musste stimmen. Im Frühjahr 1968 gab Stan Lee dem Helden das erste fortlaufende Doppelheft. Er rekrutierte dafür John Buscema, der seinen grandiosen Zeichenstift bis dahin den Avengers lieh. Zusammen entwickelten sie eine Reihe von legendären Geschichten, mit denen sich die Figur auf immer definierte. Der galaktisch große XXL-Wälzer versammelt sämtliche Geschichten der 18-teiligen Reihe des Silver Surfers von 1968-1970. Für unsere mit dem Eisner-Award prämierten Serie wurden in enger Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company makellose Originalausgaben reproduziert. Jede Seite wurde fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde und mit modernen Retusche-Techniken digital überarbeitet. Eventuelle Ungenauigkeiten der damals vorherrschenden Drucktechnik wurden auf diese Weise korrigiert, so als kämen die Comics frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er-Jahre. Um die Haptik der ursprünglichen Hefte zu simulieren, wurde eigens für unsere Marvel-Serie ein ungestrichenes Papier entwickelt. Texte des Kritikers und Autors Douglas Wolk sowie von Sal Buscema, seinerzeit selbst Zeichner bei Marvel, ergänzen die Reproduktionen, Fotografien und seltenen Erinnerungsstücke. Auch als Collector's Edition von 1.000 Exemplaren erhältlich.© 2023 MARVEL

Die Göttliche Komödie von Dante Alighieri (1265-1321) gilt als größtes literarisches Werk der italienischen Sprache (vollendet 1321) und Meisterwerk der Weltliteratur. Das Opus beschreibt die Reise des Dichters durch Hölle und Fegefeuer in den Himmel, und auf einer tieferen Ebene den symbolischen Weg der Seele zu Gott.In seinen letzten Lebensjahren vollendete der Poet und Maler William Blake (1757-1827) 102 Illustrationen zu Dantes epischer Dichtung, die von Bleistiftskizzen bis hin zu fertigen Aquarellen reichen. Blake gelingt es, die visionäre Kraft von Dantes Sprache in Bilder zu übersetzen und in ihrer ganzen Spannbreite darzustellen: von den Qualen der Hölle bis zur Glückseligkeit des Paradieses, von grausamen Verstümmelungen der Verdammten bis hin zur göttlichen Schönheit der Erlösten. Wenngleich Blake dem Text Dantes treu blieb, brachte er seine eigene Betrachtungsweise zu zentralen Themen des Werkes ein.Heute befinden sich Blakes Zeichnungen in sieben verschiedenen Institutionen. Diese Ausgabe vereint sie wieder und stellt ihnen Schlüsselverse aus Dantes Werk zur Seite. Zwei Essays führen den Leser in das Werk von Dante und Blake ein. Wie groß der Einfluss der Göttlichen Komödie auf die Werke der bildenden Kunst war, zeigen Arbeiten von Sandro Botticelli, Michelangelo, Eugène Delacroix, Gustave Doré und Auguste Rodin.Alle Illustrationen werden ausführlich erläutert und dank zahlreicher faszinierender Ausschnittvergrößerungen kommt jedes noch so kleine Detail zur Geltung. Diese Begegnung von zwei der größten Künstler aller Zeiten ist überwältigend und wird in so universellen Themen wie Liebe, Schuld, Sühne, Rache und Erlösung anschaulich.

Anhand von Kunst, Literatur und wissenschaftlichen Untersuchungen erzählt die Therapeutin Kikan Massara die Geschichte der Zwölf Schritte - das weit verbreitete und anerkannte Programm zur ganzheitlichen Genesung. Das Zwölf-Schritte-Programm wurde Anfang des 20. Jahrhunderts zur Heilung von Alkoholismus entwickelt. Später erwies es sich als hochwirksames Instrument zur Unterstützung in der Genesung von jeglichen Süchten und zwanghaftem Verhalten.  Zum ersten Mal wird das Programm hier mit einem visuellen Narrativ vorgestellt. Die inspirierende Ausgabe enthält über 150 bewegende Kunstwerke von der Antike bis zur Gegenwart. Sie symbolisieren den Weg der Heilung und Transformation auf der Basis des Programms, das noch heute Millionen von Menschen hilft.    Das Buch enthält Auszüge aus Studien führender Experten in verschiedenen verwandten Gebieten. Die Geschichte der Zwölf Schritte wird en détail nachgezeichnet: von den Ursprüngen in der Weltwirtschaftskrise in Amerika zu Beginn des 20. Jahrhunderts bis hin zur Ausarbeitung der Grundlagen auf der Basis von Konzepten des Psychologen C.G. Jung. Darüber hinaus bietet der Band einen einzigartigen Einblick in die Bedeutung von Sucht in unserer heutigen Gesellschaft. Mit eindrucksvollen Bildern, literarischen Zitaten und Erkenntnissen aus der aktuellen psychologischen Forschung erweist sich das Zwölf-Schritte-Programm auch einem breiteren Publikum als zeitgemäß, zugänglich und konstruktiv. In einer Zeit radikalen Wandels und großer Chancen würdigt unsere illustrierte Ausgabe die transformative Kraft dieser universellen Prinzipien und zeigt Wege auf, sie in den eigenen Alltag zu integrieren.

Mary McCartney ist Fotografin, Filmemacherin, TV-Köchin und Autorin. In Feeding Creativity verbindet sie ihre Passion für Fotografie und Essen und verrät uns 60 ihrer Lieblingsrezepte, die sie für Freunde, Familie, Musiker, Schauspieler, Künstler und Visionäre zubereitet. Sie überrascht ihre Gäste zu Hause oder im Studio mit einem eigenen Gericht. An diesen kulinarischen Begegnungen lässt sie uns hier mit Fotos, Rezepten, Anekdoten und Erzählungen teilhaben.Mary bewirtet in jeder Situation mit besonderer Finesse, sei es mit papierdünnen Frühstückspfannkuchen bei Cameron Diaz oder mit Artischocken als Vorspeise bei HAIM. Zum Lunch in David Hockneys Studio in L.A. bereitet sie eine Tarte mit Zwiebeln, Erbsen und Spinat und mit Woody Harrelson genießt sie zu Hause Hot Dogs. Nile Rodgers trifft sie bei einem Roast-and-Toast-Salat in den Abbey Road Studios, zum Tee mit Jeff Koons zaubert sie eine Regenbogen-Streuseltorte.  Feeding Creativity ist ein Toast auf eine unkomplizierte, köstliche vegetarische Küche und zelebriert kulinarische Geselligkeit.

Diese fotografische Liebesgeschichte führt ihre Betrachter durch 55 Jahre der Zusammenarbeit und Partnerschaft von June und Helmut Newton. Es ist die Chronik ihres gemeinsamen Lebens, die sie 1998 erstmals mit ihrem legendärem Gemeinschaftsprojekt Us and Them öffentlich dokumentierten.    ¿ Der erste Teil des Buches - das Us - zeigt persönliche Porträts voneinander sowie Selbstporträts voller Zuneigung und Intimität. Über mehrere Jahrzehnte hinweg entstanden, erzählt jede Fotografie von der zärtlichen Sehnsucht nach dem Damals. In diesem fotografischen Tagebuch richtet sich das Kameraobjektiv auf das gemeinsame Leben von Helmut und June Newton abseits der Öffentlichkeit.   Der zweite Teil - Them - ist eine glamouröse Reise durch die Zeit, bei der die Linse der Fotografen zahlreiche Protagonisten des kulturellen und gesellschaftlichen Jetsets in unvergleichlicher Ästhetik einfing. Catherine Deneuve, Anjelica Huston, David Hockney und Timothy Leary wurden dabei ebenso in Szene gesetzt wie Peter Beard, Yves Saint Laurent, Thierry Mugler, Jane Birkin oder Charlotte Rampling. Die von June und Helmut Newton in verschiedenen Fotoshootings aufgenommenen Porträts stehen sich jeweils paarweise gegenüber und offenbaren auf diese Weise zwei Facetten derselben Persönlichkeit. Ebenso eindeutig wie elegant präsentiert sich in diesem Band die faszinierende Melange von Leben und Werk beider Künstler, die sich perfekt ergänzten.

Als The Big Book of Breasts 2006 erschien, wurde es sofort zum Bestseller. Seine 396 Seiten machten mit den von der Natur üppig ausgestatteten wichtigsten Nacktmodellen der 1950er, '60er und '70er bekannt. Dazu gehörten Joan Brinkman, Virginia Bell, Roberta Pedon, Mary Waters, Margaret Middleton, Keli Stewart und viele mehr. Die einzige Kritik an dem Buch war, dass es keine biografischen Angaben zu den kurvigen Schönheiten gab und keine Listen ihrer Auftritte in Magazinen und Filmen, um ihnen noch näher kommen zu können. Das nahmen wir uns zu Herzen, und The Bigger Book of Breasts ist die Antwort. Es gibt jetzt nicht nur mehr Seiten mit völlig neuen Bildern Ihrer beliebtesten Busenstars aus den '50ern zu den '70ern. Sie alle haben nun auch ein persönliches Profil erhalten. Welches Model hat den Schauspieler Richard Pryor geheiratet? Wer inspirierte Russ Meyer zu seinem ersten Film? Wo sind diese Amateurfilme mit Mary Waters geblieben? Und ja, Roberta Pedon ist gesund und munter! Um dem Thema "Bigger Breasts" ein Update zu geben, haben wir zwölf der unglaublichsten und provokativsten Natur-Busenmodelle von heute dazu genommen. Aufgespürt hat sie quer über den Globus der Berliner Fotograf Bernd Daktari Lorenz. Und die Modelle Nadine Jansen, Milena Velba, Luna Amor, Valory Irene, Miosotis Claribel sowie die unglaubliche Hitomi Tanaka beweisen, dass Brüste größer denn je sind, und dass größer einfach schöner ist. Das gilt sowohl für Brüste wie für Bücher. Als Extra gibt es die atemberaubenden Fotos unseres exklusiven Covergirls Kelly Madison dazu und machen The Bigger Book of Breasts zu einem noch größeren Genuss für alle.

Autor Philip Jodidio begibt sich auf eine Reise durch die Welt Shigeru Bans. Er erkundet neu eröffnete, mit Spannung erwartete Gebäude, schildert seinen Ausblick auf die Zukunft des Studios Shigeru Ban und schafft damit eine welt- und zeitumspannende Rundschau der Karriere des japanischen Architekten. Diese Monografie lädt Sie ein, die Entwicklung eines Künstlers zu begleiten, der als Garant für Wunderwerke der Architektur gilt, die an Innovation, Eleganz und Sensibilität unübertroffen sind. Neben frühen Werken, in denen Ban Papierröhren als Strukturelemente etablierte, und unverkennbaren Häusern wie dem Curtain Wall House in Tokio stellt der Band ferner Projekte jüngster Zeit vor, darunter der Swatch/Omega Campus in der Schweiz, ein zweistöckiges Penthouse auf dem Dach eines 140 Jahre alten New Yorker Wahrzeichens sowie die Seine Musicale, ein in den Masterplan Jean Nouvels integrierten Konzertsaal auf der Ile Séguin in Frankreich. Bans Werk möchte vor allem verstehen. Wie funktionieren Gebäude? Wie können Abfallmaterialien durch Wiederverwendung aufgewertet werden? Antworten darauf formuliert er als erfinderische Lösungsansätze, wie die Nutzung von Papier als Baumaterial. In all den Jahren seiner Karriere blieb Ban, der schon früh zur Symbolfigur der japanischen Architektur wurde, seiner einzigartigen architektonischen Handschrift treu, die seine Projekte in aller Welt auszeichnen. Ruhm und Ehre hielten den Pritzker-Preisträger jedoch nicht davon ab, sein Talent und seine Kreativität auch Menschen in Not zu widmen. Er entwarf Flüchtlingsunterkünfte in Ruanda und Sri Lanka und ermöglichte mit seiner Papierröhrentechnik den raschen Aufbau von Notunterkünften in den Krisengebieten Fukushimas und der Ukraine. Mit seiner lösungsorientierten, großzügigen und eleganten Herangehensweise prägt Shigeru Ban die humanitäre Architektur und definiert die Grenzen seines Fachs immer wieder neu. Auch erhältlich als Art Edition, limitiert auf 200 Exemplare mit einem signierten Kunstdruck Shigeru Bans und einem maßgefertigten 3D-Lasercut-Cover aus Holz.

Wahre Schönheit mag von innen kommen, doch die Verpackung ist das, was überzeugt. Mit den Gewinnern der Pentawards 2021 und 2022 präsentiert The Packaging Design Book einmal mehr das eindrucksvolle Spektrum dieser besonderen Kunstform und rückt in seiner siebten Ausgabe erstmals die Wettbewerbsbeiträge der neugeschaffenen Kategorie "Nachhaltiges Design" in den Fokus. Branchenprofis und Newcomer aus über 60 Ländern sprengen mit ihren Entwürfen die Grenzen des klassischen Designs und vermitteln die Vision von Nachhaltigkeit und Vielfalt in der Verpackungsindustrie. Dieser Band wird so zum Showcase einer Disziplin, in der Schönheit und Integrität Hand in Hand gehen. Die 50-köpfige Jury repräsentiert 25 Brands und 25 Designagenturen, darunter Amazon, Mars Food, Vault49, Estée Lauder, Superunion, Coty, WWF und Stranger & Fremder. Sie wählt aus über tausend Einsendungen und zelebriert Verpackungsdesign auf der Höhe der Zeit: witzig, elegant und auf dem Weg dieser Branche in die Zukunft.

Man hat ihn als Genie und Poeten bezeichnet, aber auch als Frauenfeind, Pornographen, Ungeheuer - doch Nobuyoshi Araki s Werk sperrt sich gegen einfaches moralistisches Schubladendenken. Er selbst sagte über sein Werk: "Es gibt kein Ergebnis. Es ist völlig offen. Es hat kein Ziel." Das Werk Arakis, eines der größten japanischen Fotografen unserer Zeit , ist gekennzeichnet durch eine unverkennbare Beherrschung von Komposition, Farbe und Ton . " Die Schönheit des festen Schnürens ", so lautet die wörtliche Übersetzung von Kinbaku-bi , der traditionellen japanischen Kunst der erotischen Fesselung , hat den Fotografen schon lange fasziniert und wurde zu einem Fixpunkt seines Werks . Araki spielt mit Mustern von Unterwerfung und Befreiung, Tod und Lust sowie mit dem Spannungsverhältnis zwischen vordergründiger Ruhe und Schönheit eines Bildes und schockierendem Inhalt bei näherer Betrachtung. Seine Modelle sind gewiss - ob im wörtlichen oder übertragenen Sinn - gefesselt, doch auf verführerischste Weise: Mädchen liegen gebunden, aber trotzig, hängen von der Decke, in traditioneller Tracht oder nackt, von vorn, mitunter mit einer dezent zwischen ihren Beinen positionierten Blume. Araki wählte seine Lieblingsaufnahmen aus . Das Ergebnis dokumentiert sein einmaliges Talent, ein Gleichgewicht zu finden zwischen sexueller Verletzlichkeit und Verführung.

Rembrandt schuf über 80 Selbstdarstellungen in Form von Gemälden, Radierungen und Zeichnungen - mehr als jeder andere Künstler vor ihm. Das Selbstporträt war ihm vor allem stilistisches Experiment. Ob als verschmitzter junger Mann, in der Pose des Soldaten oder Orientalen, im biblischen oder mythologischen Gewand, mal als Melancholiker an der Staffelei, dann wieder als Bürger im Sonntagsstaat - jeder expressive Pinselstrich, jeder verschleierte Gesichtszug diente der Charakterisierung einer jeweils anderen Facette seiner Person.Durch die präzise Erfassung von Stimmungen, Mimik, und teils flüchtigen Momenten revolutionierte Rembrandt die Kunst des Selbstporträts. Nicht der repräsentative Idealtypus stand primär im Mittelpunkt, sondern die genaue Beobachtung eines Künstlers, der selbst sein häufigstes Modell war. Neben ihrer stilistischen Vielfalt und dem Gespür für das Menschliche bestechen die Werke durch große Experimentierfreude: die feinen, mit grober Rohrfeder in die feuchte Patina geritzten Locken, die subtil Licht reflektieren. Oder die radierten Bildnisse als virtuose Fingerübungen in der Darstellung des eigenen Mienenspiels.Dieser Band präsentiert sämtliche Selbstporträts - von den ersten Werken im Alter von 22 bis zum letzten Bildnis, das kurz vor seinem Tod entstand - und ist Zeugnis eines Lebens, das sich der Revolutionierung der malerischen Praxis in Inhalt und Form verschrieben hatte.

Die Idee, einen Baum zu erklimmen, um Schutz zu suchen oder die Erde einfach nur aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten, ist so alt wie die Menschheit selbst. Unternehmen Sie mit uns einen Ausflug zu den schönsten, einfallsreichsten und ungewöhnlichsten Wipfelparadiesen unseres Planeten. Von romantisch bis modern, von kernig-rustikal bis stylish finden Sie hier alle Spielarten von Baumbauten: vom Teehaus, Restaurant, Hotel und Spielhaus für Kinder bis zu schlichten Hochsitzen, auf denen man über das Leben nachdenken und die Aussicht genießen kann. Baumhäuser können so viele Formen annehmen, wie unsere Fantasie es zulässt. Mit einer Fülle prächtiger Fotos und Illustrationen ist dieser Band eine Ode an eine alternative Lebensart, bei der verspielte Vorstellungskraft auf umweltbewusste Finesse trifft.

Seit Henry David Thoreau in Walden oder Leben in den Wäldern (1854) die zwei Jahre, zwei Monate und zwei Tage beschrieb, die er in einer Hütte am Walden Pond in Massachusetts verbrachte, ist die moderne Psyche von der Vorstellung des Wohnens an einem Ort der Zuflucht fasziniert. Während unser materielles Dasein und unser Einfluss auf die Umwelt im zurückliegenden Jahrzehnt exponentiell gewachsen sind, haben sich Architekten in aller Welt konkret für die Möglichkeiten einer minimalen, isolierten Bleibe mit geringen Auswirkungen auf die Natur interessiert. Dieser Titel, der üppige Fotografie, zeitgenössische Illustrationen von Marie-Laure Cruschi und aufschlussreichen Text miteinander verbindet, erkundet, wie dieser spezielle Gebäudetyp dem kreativen Denken besondere Möglichkeiten eröffnet. Durch ihren Verzicht auf jegliches Übermaß beschränkt die Hütte das Eindringen in den Raum auf das Lebensnotwendigste, während sie zugleich umweltfreundliche Lösungsansätze in den Vordergrund stellt. Als solcher veranschaulicht die Hütte einige der einfallsreichsten und weitsichtigsten Praktiken zeitgenössischer Baukunst, beschäftigen sich doch Architekten wie Renzo Piano , Terunobu Fujimori , Tom Kundig und viele junge Talente mit solchen Refugien. Die hier vorgestellten Hütten unterstreichen die Vielfalt der Gattung, sowohl hinsichtlich der Nutzung als auch der Geographie. Von einem Künstleratelier an der Küste der englischen Grafschaft Suffolk bis zu Bambusbungalows in Sri Lanka ist dieser Überblick in seiner internationalen Spannweite ebenso spannend wie in der Bandbreite der Abrisse, Kunden und Situationen. Eine Konstante, die sich durch das ganze Werk zieht, sind jedoch der architektonische Einfallsreichtum und ein ansteckendes Gefühl der Nachdenklichkeit und des Miteinanders angesichts der Rückkehr von Menschen zur Natur und zu einem weniger zerstörerischen Daseinsmodell.