Böcker utgivna av Kerber Christof Verlag

Since 1953, the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. has awarded the annual ars viva prize for visual arts to outstanding young artists based in Germany. The award honours work that demonstrates a distinct language of form and an awareness of contemporary issues in relation to (cultural) history. This year's award includes exhibitions at the Goethe-Institut Paris and the Haus der Kunst, Munich. The ars viva prize 2023 will be awarded to Paul Kolling (*1993), Shaun Motsi (*1989) and Leyla Yenirce (*1992).Artists:Paul Kolling (*1993), Shaun Motsi (*1989) und Leyla Yenirce (*1992)

Martina Sauter's (*1974) photographic work portrays interiors with complex planes of space and time that simultaneously explore their construction through the media.Her work focuses on how humans design the spaces in which they live and how internal spaces are created through personal experience and by what is conveyed by the media. Martina Sauter combines photographs that she herself has taken with stills from films and screenshots of newspaper images to create visual spaces with unfamiliar perspectives within which fragmented figures or text appear. This encourages the viewer to explore ostensible representations of reality while challenging them to attempt to solve the spatial pictorial puzzles they depict.One group of works is dedicated to unusual species of animals, which are positioned in new habitats through the use of collages. These works are unique visual events encompassing partial areas that glow in the dark, providing an opening into further additional worlds.The publication ONE/TWO is a book and an object in one and features works created between 2008 and 2022.

Anna Reivilä (geb. 1988, Helsinki) ist eine Land-Art-Künstlerin und Fotografin, die in Porvoo, Finnland, lebt und arbeitet. In ihrem Buch Nomad untersucht sie die Beziehung zwischen Mensch und Natur unter Bezugnahme auf die japanische Bondage-Tradition. Sie erforscht die Symbolik der Fesselung im Hinblick auf die Verbindungen zwischen den Menschen und dem Göttlichen. Das japanische Wort für Fesselung, Kinbaku-bi, bedeutet wörtlich übersetzt die Schönheit der engen Bindung. Es ist ein feines Gleichgewicht zwischen dem Zusammenhalten und dem drohenden Zerbrechen. In den Fotografien von Reivilä umreißen die Seile die Formen der Objekte, während sie die Grenzen des Menschseins ausloten.

Arcadia - a utopian land where man lives in harmony with nature, where war, worry and disease are absent, where tranquility, solidarity and happiness are everlasting - has a long tradition stretching back to antiquity. Originally a remote landscape in the Peloponnese, said within ancient Greek mythology to be inhabited by the gods and spirits of nature, this earthly paradise was transformed into an imaginary idyll by the Roman poet Virgil in his pastoral poems, and has lived on in Western art, intellectual history, and the imagination ever since.In Arcadian Sketchbook - photographed between 2020-2021 - Wolfgang Strassl wanders along his nearby river in search of peace of mind, amongst many others who were seeking the same at the time. As he explains, "I looked for Arcadia, simply on my own doorstep, and I found it there."

Der zwischen Rumänien und Deutschland aktive Mihai Olos (1940-2015) hinterließ ein beeindruckendes Werk, in dem er sich mit verschiedenen Medien (Malerei, Skulptur, Zeichnung, Happening, Land Art, Keramik und Po esie) und stilistischen Strömungen der späten Moderne, wie Konzeptualismus und Minimalismus, auseinandersetzte. Olos entwickelte ein zusammenhängendes konzeptionelles System modularer morphologischer Strukturen (Knoten), das ihn zu dem utopischen Projekt der universellen Stadt Olospolis führte.Die Monografie beinhaltet eine repräsentative Auswahl von Kunstwerken, erstmals veröffentlichte Fotografien aus dem Archiv des Künstlers und Texte über das Werk und das Leben von Mihai Olos.

The first institutional presentation with works by Sven Drühl took place in 2002 under the title "Die Aufregung" at the Museum Morsbroich in Leverkusen. The rooms in which the museum presented the then young positions have been used by the Kunstverein Leverkusen Schloss Morsbroich e. V. for many years. Sven Drühl, who is known for his artistic adaptations and remixes, has now returned to this location with his new landscape paintings, which are based purely on virtual models. In the place where his artistic career began, the artist is now showing paintings and bronzes from the past six years.

The book by the artist Benno Blome (*1979) is a composition of rhythm, eloquence, and silence. It is based on a series of abstract drawings derived from incidents and objects in the real world. Even though the drawings conceal their meaning behind the clear, reduced line management, the concreteness of these models remains present in the works.In the publication, the individual drawings are combined into a sort of text-a story from the unknown. Even if we are not proficient in the writing and language of this text, it is possible to recognize one pattern or another in it. This also gives rise to curiosity to fathom the other, the unknown in these drawings.

Jürgen Geiselhart präsentiert in seinem zweiten Buch privates Wohnen in mehreren Neubauvillen, die sich stilistisch an sehr unterschiedlichen Vorbildern der Bau- und Kulturgeschichte orientieren. Seine individuelle Architektur und Innenarchitektur aus den Jahren 2017 bis 2022 basiert zuerst auf den Wünschen der Bauherren und sucht auf dieser Grundlage nach einer zeitgemäßen Umsetzung in der Detail- und Materialausführung. In sehr persönlicher Sprache beschreibt Jürgen Geiselhart die Entstehungsgeschichten und Designideen der privaten Behausungen, die auf 280 Seiten ausdrucksvoller Digitalfotografie gezeigt werden.

Das Buch ist ein Hybrid zwischen Künstlerbuch und Werkverzeichnis und bietet einerseits den kompletten Überblick über die seit 2006 entstandenen Werke des Berliner Malers René Wirths, andererseits sortiert es diese in Gruppen nach teils formalen, teils inhaltlichen, oft auch überraschenden Kriterien. Wirths ist ein Maler von Dingen, dessen Bilder sich trotz ihrer hyperrealistischen Detailgenauigkeit wieder auflösen in Farbe und Abstraktion. So werden die abgebildeten Motive ihrer "Eigentlichkeit" (M. Heidegger) beraubt und der Malprozess zu einer phänomenologischen Untersuchung der uns umgebenden Dingwelt. Das Buch folgt diesen Untersuchungen und fügt dem erstaunlichen Werk René Wirths durch die Anordnung neue Aspekte hinzu.

The book Envoi of the Swedish photographer and filmmaker Stefan Bladh (*1976) consists of photographs that were created on numerous trips between 2002 und 2018. In his work, in which he lets himself be driven by intuition and instinct, Bladh explores the conditio humana. Recurring topics are the consciousness and the impermanence of our existence."These pictures pose questions for me and make me think about our longings, our needs, and our nature; our notion of a separate self, even though we are so closely interwoven with one another-in every atom, since the beginning of time." (Stefan Bladh)

Two things resonate in Tom Nagy's photographic portraits of icebergs and Antarctic land-scapes: the untamable, irrepressible energies of nature and the fragility of its jagged shapes, which are minimalistic and narrative, static and mobile, majestic and delicate all at the same time. Nagy's photographs enable us to experience this ephemeral nature becoming a picture and thus prevent them from vanishing for good. In his portraits of icebergs, they become ephemeral sculptures, which drift in the solitary silence of the Antarctic waters like artworks, to then ultimately dissolve completely. From the perspective of the photographer, the Antarctic landscape encourages us to contemplate the cycle of life and to sense our own impermanence.

Der Fotograf Riccardo Fregoso (*1981) spürt in "Adriatico" die Urlaubsorte seiner Kindheit und Jugend auf. Er bereiste dafür die Küsten der Abruzzen und des Molise, um dann den Blick Richtung Norden in die Marken und in den Süden nach Apulien zu richten. Die Adriaküste, die in Fregosos Erinnerungen ein fast himmlischer Ort war, besteht in Wahrheit aus einer unendlichen Aneinanderreihung von Betonbauten, die während des italienischen Wirtschaftsbooms in aller Eile errichtet wurden. Fregoso fängt in seinen Aufnahmen die vom Massentourismus geprägte Region mit all ihren Widersprüchen und dem ihr eigenen Licht ein. "Adriatico" ist eine Hommage an den Sommer, an die Urlaubsatmosphäre und an die Fotografien von Luigi Ghirri.

Roland Fischer (*1958) is a conceptual photo artist who works in series and is active internationally. With his series of large-format works, he has been part of the photographic avant-garde since the 1980s. In his oeuvre, Fischer concentrates on two complexes of works: people and architecture. All of the conceptual series on these two themes are presented in the catalogue. Matter-of-fact, very precisely exposed faces are central to series such as "Nuns and Monks", "Los Angeles Portraits", and "Chinese Pool Portraits". The artist deals with architecture amongst other topics in the work series "Cathedrals", "Alhambra", and "New Architectures". What interests Roland Fischer, therefore, is not the documentary character of photography. His concentrated photo works of famous buildings and façades are pictorial creations with an autonomous character.

Die Bilder von John Peter Askew zeigen uns die Poesie des Alltäglichen. WE II, an dem drei Jahre lang gearbeitet wurde, ist der Nachfolgeband von WE, das Charlotte Cotton als "ein wundervolles Buch... eine schöne, nahe, unglaublich berührende und umfangreiche fotografische Geschichte" beschrieb. WE II ist ein episches, generationenübergreifendes Porträt einer einzigen Familie am östlichsten Punkt Europas. Dennoch gehen die Fotografien über ihre spezifischen Gegebenheiten hinaus. Askew lenkt die Aufmerksamkeit auf unser "bestes Selbst", indem er uns auffordert, uns die Möglichkeit einer besseren, spielerischeren Welt vorzustellen, und uns zeigt, wer wir sein könnten. Dieses Werk, das sich über ein Vierteljahrhundert erstreckt, ist eine zeitgemäße und eigenwillige Chronik, die Freundschaft, Gemeinsamkeit und Liebenswürdigkeit in den Mittelpunkt stellt.

Theresa Möller (*1988) explores the tragic entanglement and indissoluble interdependency of natural evolution and cultural development. Her work is inspired by the deep vulnerability and the sensual opulence of colors and forms of nature. The shades she uses are sweet mauves, powdery blues, fruity oranges, and sea greens. Architectures reappear occasionally through horizon lines and geometrical forms created by Nature. The artistic approach is phantasmagorical and reflects a tormented inner space, which also outlines major current contemporary concerns. Theresa Möller's book "Dis-Nature" is an invitation to discover her own Nature and her vision of contemporary painting.

The violinist Thomas Zehetmair swims in a lake with a water temperature of three degrees, the clarinetist Sabine Meyer drinks tea on her horse ranch, or the chamber music singer Brigitte Fassbaender shares a sofa with her cats: rarely has a photographer come as close to great musicians as Frank Schinski does in the photo book Neumarkt. The photos of artists form the core of the book about an outstanding chamber music hall that has now been drawing the stars of the classical music scene to the small city in the Upper Palatinate for forty years. This is reason enough to photograph aforesaid musicians as well as a selection of the people who first made the "miracle of Neumarkt" possible: from the founder to subscribers to in-house technicians. The series of photos are supplemented with essays by renowned authors like Sir András Schiff, Prof. Peter Gülke, and Dariusz Szymanski.

Dass New Yorker Künstleragenturen das bayerische Neumarkt kennen, liegt am dortigen Kammermusiksaal. Dessen außergewöhnliche Akustik veranlasste den ansässigen Unternehmer Ernst-Herbert Pfleiderer, die Neumarkter Konzertfreunde zu gründen. Seit über vierzig Jahren veranstalten diese eine bei Musiker*innen wie Publikum nachgefragte Konzertreihe. Um den persönlichen Verbindungen zwischen Künstler*innen und Konzertfreunden nachzuspüren, wurde der OSTKREUZ-Fotograf Frank Schinski beauftragt, Momente der Nähe einzufangen: in der Künstlergarderobe, auf Reisen sowie zu Hause bei den Musiker*innen. Entstanden ist dabei ein Buch, das einen einzigartigen Blick hinter die Kulissen der viel gerühmten Konzertreihe gewährt, mit Bildern, die allen Protagonist*innen eine ganz eigene Bühne bereiten.

In seinem neuen Katalog "ballad for space lovers" zeichnet der Künstler Sebastian Hosu (*1988) sein künstlerisches Schaffen der letzten Jahre seit Beendigung des Meisterschülerstudiums in Leipzig nach. Schaffens- und Lebensmittelpunkt des gebürtigen Rumänen ist die alte Baumwollspinnerei in Leipzig, eines der wichtigsten deutschen Künstler*innenzentren unserer Zeit. Hosus Bilder zeichnen sich durch einen expressiven Duktus aus, als wären sie in nur einem Atemzug entstanden. Seine dynamischen, oft fleischfarbenen Formen lassen Körper erahnen und fließen in einen lebendigen Naturraum ein. Ob leuchtende Ölmalerei oder Kohlezeichnung - Hosus Bildwerke sind von starker körperlicher Präsenz und nehmen die Betrachtenden mit auf eine Reise durch Raum und Zeit.

The figure is a constant in the work of Hans Thomann (*1957). The sculptor is interested in the question of how people present and perceive themselves. Thomann sounds out cultural conceptions, which quite often turn out to be fragile illusions, in life-size human sculptures of figures from Superman and dwarves to Jesus. Ambivalence, just like humor, is one of the artist's constant companions. With his works, which include numerous installations in public space and commercial premises, Hans Thomann continuously reflects on human existence. His examinations also comprise sacred spaces, in which he realizes critical or provocative interventions.

"In This Day and Age" is a major new project by artist-photographer partnership John Kippin and Nicola Neate. For the last three years Kippin and Neate have been living in North Uist, one of a remote group of six islands that form part of the Outer Hebrides of Scotland. Living in North Uist has allowed Kippin and Neate to closely research and document - through photography - what it means to be part of island life, how this is changing, and the ecological impact of increasing tourism, migration and militarism, alongside reflecting upon the nature of traditional island stories and their representation.

Der britische Fotograf Mark Pinder (*1966) präsentiert mit "Macromancy" ein fotografisches Essay zur Lage der Nation, das dreieinhalb Jahrzehnte umspannt. Er untersucht darin die sozialen, politischen und wirtschaftlichen Veränderungen, die Großbritannien (und insbesondere der Nordosten Englands) in den Jahren erlebt hat, als die traditionellen Industrien wie Kohlebergbau, Maschinenbau und Schiffsbau zurückgingen und die daraus resultierenden sozialen und politischen Spannungen zu der Situation führten, in der sich Großbritannien heute befindet.

Eight years of stunning contemporary still life photography featuring flowersGerman artist Felix Dobbert (born 1975) has spent the past eight years of his practice dedicated to photographing flowers. This publication presents four different series from these years, ranging in form from the minimalist still life to algorithm-based compositions.

Die Fotografin Verna Kovanen (*1989) lädt in "broken holiday album" dazu ein, sie auf eine Reise ans Mittelmeer zu den Feriendomizilen ihrer Kindheit zu begleiten. Dabei wirken die verlassenen Reiseziele, die einst gebaut wurden, um unser Bedürfnis nach Eskapismus zu befriedigen, heute eher wie Bühnenkulissen, die in einer Zeitkapsel gefangen sind. Die poetischen und subtilen Aufnahmen können Bild für Bild betrachtet werden oder - dank der Leporello-Form - in einer Panoramaansicht, die sich über fast sechs Meter Länge erstreckt. Der Reisepass, der sich in der Umschlagtasche des Buches verbirgt, gewährt uns einen Einblick in das persönliche Leben der Künstlerin und ihre Familiengeschichte. Erinnerungen und Imagination, zwei wichtige Aspekte im Werk der Künstlerin, spielen auch in diesem Buch eine bedeutende Rolle.

The first photo book by the German photographer Stephie Braun (*1995) is titled "OPAQUE" and brings together works created between 2009 and 2019 from the artist's archive. From analogue picture material to computer- and smartphone-generated photography, the publication merges various forms of picture and sounds out the boundaries of contemporary photography. The photos are accompanied by a short story and notes that appear between the pictures. This meditation is inspired by the young photographer's phase of personal discovery, which is reflected in the book.

The internationally active sculptor and performance artist Pawel Althamer (*1967) often works on projects in planned or chance collaborations that attempt to break open socially charged structures. He examines his self-portrait again and again in a spiritual way, free from any concrete religious viewpoints. Althamer broadens the conventional concept of art with unusual techniques, materials, and approaches. Social initiatives determine his artistic program to a significant extent. The publication is published on the occasion of the exhibition connected with Pawel Althamer being awarded the Lovis Corinth Prize in 2022 and is dedicated to his projects so far as well as to new works.

Mit dem Ausstellungskatalog "Zurück ins Licht. Vier Künstlerinnen - Ihre Werke, ihre Wege" widmet sich das Jüdische Museum Frankfurt vier wiederentdeckten Künstlerinnen. Erna Pinner (1890-1987), Rosy Lilienfeld (1896-1942), Amalie Seckbach (1870-1944) und Ruth Cahn (1875-1966) prägten das künstlerische Leben der 1920er-Jahre in Frankfurt am Main und wurden auch überregional wahrgenommen. Die nationalsozialistische Herrschaft beendete nicht nur die kosmopolitische Lebensweise, die sie pflegten, sondern bedrohte ihre Arbeit und ihr Leben. In Katalogbeiträgen von renommierten Kunsthistoriker*innen wird auf die Werke der vier Künstlerinnen eingegangen. Zahleiche Werkabbildungen und bisher unveröffentlichte Dokumente und Briefe begleiten diese Texte. In kulturwissenschaftlichen Beiträgen von internationalen Expert*innen werden zudem die verschiedenen historischen Kontexte der einzelnen Lebens- und Schicksalswege dargestellt.

Italien war und ist ein Sehnsuchtsziel vieler Deutscher. Italienreisende genießen die Kulturgeschichte des Landes, die Strände, das Klima sowie das großartige Essen, aber blickt man hinter die wunderschöne Kulisse der historischen Altstädte und großartigen Landschaften, begegnet einem oft die andere Seite Italiens: Unzufriedenheit mit dem eigenen Land, Armut, Chaos, Umweltverschmutzung, Mafia und Gewalt sowie ein korruptes, dekadentes politisches System. In seinen fotografischen Reisen vom Süden in den Norden des Landes, macht der Fotograf Christian Jungeblodt (*1962), der selbst lange in Italien gelebt hat, die Nähe von Schönheit und Hässlichkeit, von Glanz und Schmutz, von Erhabenheit und Abgrund, sichtbar. Das Fotobuch mit vielen Farbfotografien und Handyfotos in Schwarz-Weiß wird begleitet von Essays namhafter Autor*innen wie Petra Reski und John Hooper.

Since the founding of THE OPÉRA-Magazine for Classic & Contemporary Nude Photography in 2012, a new issue with works by more than thirty photographers per magazine has been produced each year under the creative direction of changing designers. The most beautiful series from ten issues are now being published for the first time and in a new layout with in part new motifs in a unique omnibus volume. The dedication of each artist is also honored in a personal text contribution.Artists:Evelyn Bencicova, Rachel de Joode, Henny de la Motte, Fabien Dettori, Thomas Hauser, Petrina Hicks, Mayumi Hosokura, David PD Hyde, Maciek Jasik, Nadav Kander, Mona Kuhn, Joanne Leah, Kenny Lemes, Julia Luzina, Ed Maximus, Stefan Milev, Bertil Nilsson, Manon Ouimet, Thomas Sing, Laura Stevens, Erika Svensson, Marc van Dalen, Sean Patrick Watters, Roger Weiss, Milena Wojhan, Bastiaan Woudt, Daisuke Yokota, Lin Zhipeng

Jason Langer (*1967) lebte von seinem sechsten bis zu seinem elften Lebensjahr in einem Kibbuz in Israel - eine Zeit, die ihn bis heute prägt. Als er 2008 nach Berlin eingeladen wurde, um die Stadt zu fotografieren, begegnete er dem Vorschlag mit Beklommenheit. Er assoziierte die deutsche Hauptstadt mit den Gräueltaten des 20. Jahrhunderts und hielt sie für einen kalten, unfreundlichen Ort. Dennoch sagte er zu und erkundete die Stadt von 2009 bis 2013 hauptsächlich zu Fuß, mit zwei Fotokameras und Schwarz-Weiß-Filmen. Er fotografierte Berlin mit Blick auf die Orte, an denen jüdische Menschen deportiert oder getötet wurden, nahm seine Streifzüge aber auch zum Anlass, seine vorgefassten Meinungen zu überdenken und ein neues Bild des zeitgenössischen Deutschland und der deutschen Bevölkerung zu finden. Indem er die Straßen, die Menschen, die er unterwegs traf, und Bekannte, die zu Freund*innen wurden, fotografierte, verfolgte er die Spuren des Holocaust, des Kalten Krieges und imaginierte die Freiheit und den kreativen Ausdruck der wilden 20er-Jahre.

Maria Lassnig (1919-2014) is one of the most important women artists in art after 1960. Over her decades-long career, she produced an extensive and singular oeuvre in the fields of painting, drawing, and graphic reproductions, with intermittent excursions into (animation) film and sculpture. Visualizations of physical perceptions, so-called body awareness pictures, form the center of her work. Her painstaking self-analyses are also expressed in numerous self-portraits.Helmut Klewan accompanied Maria Lassnig as a gallerist for over three decades. This led to the development of a rich inventory of oil paintings and works on paper in addition to one sculpture. Forty works from various creative phases were selected for the exhibition in Berlin